Artists

A partir de un juego de referencias cruzadas, tensiones y encriptaciones, Daniel Joglar explora su mundo personal y vivencial con los objetos donde las relaciones de proximidad, adyacencia y contigüidad activan espacios y escenas para contemplar y repensar el mundo.

LB – Comenzamos el recorrido por la exhibición con la pieza Babor-Estribor ¨El abismo dijo: No está en mí. Y respondió el mar: Tampoco la tengo.¨

DJ – La pieza está compuesta por dos apliques lumínicos cromados con una lámpara de color rojo y otra azul encendidas y dimerizadas. Los colores surgieron de los objetos que se presentan en el catálogo que inspiraron la muestra. En realidad el código de babor-estribor no es rojo y azul sino rojo y verde pero gustaba la idea de dar contraste y referenciar dos posibilidades, dos caminos o dos rutas a elegir.

LB – Dos trabajos  hechos a partir de botones y tela entablan diálogo en la sala.

DJ – El nombre de uno de los trabajos es Haciendo memoria y está compuesto por botones cosidos en tela batista montada sobre un barral de hierro pintado. Cuando encontré esta tela descubrí que contenía mucha información partir de una falla, unas rayitas azules en la parte inferior que van perdiéndose hacia arriba. La colección de botones la obtuve en un lugar que se llamaba Hobby lobby. Descubrí un paquete con toda una mezcla de botones vintage de todos colores y tamaños. Alguien había nombrado el pack como haciendo memoria. Me gustó mucho esa situación y lo tomé para el título de la pieza. Los fui cosiendo aleatoria e intuitivamente en una grilla y separándolos a igual distancia.

La otra obra con botones, Pequeño Damien Hirst, está realizada sobre tela de gross, que tiene distinta calidad y es más delicada. Es muchas veces utilizada en museografía para la exhibición de piezas. De acuerdo a la información que aporta el gross, el conjunto tiene más relación con la situación de exponer algo. Al verla terminada, me pareció sumamente pictórica y recordé las pinturas de puntos de Hirst, en un guiño a su obra que relaciona la pintura con la ciencia y las representaciones de códigos genéticos.

LB – En relación a las ideas de exhibición y exposición y las vinculaciones que se generan con otros artistas, Los mineros (sobre la obra La comida del artista, de Victor Grippo) establece una relación de proximidad con una suerte de muestrario mineral.

DJ – Las vinculaciones que establezco con la obra de Grippo son totalmente forzadas, subjetivas y personales. A partir de una estructura de hierro y vidrio, entran en situación de exhibición diversos materiales y objetos. Esta asociación da cuenta de los materiales que tienen que ver con los artistas como los blocks de papel para hacer croquis, el lápiz, objetos que pertenecen a la joyería, un cristal de roca semi tallado, difusores de calor, y dos vasos de madera que son como una especie de crisoles que contienen azúcar negra y rubia en cristales mas pequeños. Los mineros buscan metales preciosos en la profundidad y me interesaba relacionarlo con la labor de los artistas que sacan a la superficie y manifiestan diversas situaciones.

LB – Donaldmejuddme es otra de las piezas que se emparentan a obras de otros artistas y acentúa lo modular como elemento en tu proceso constructivo.

DJ – La pieza está construida en módulos de madera, bronce y cobre. Todo comienza a partir del modulo principal que es el más grande y tiene el tamaño del doble de una cartulina. A partir de ahí se establecen particiones de ésa medida en mitades y cuartos y todo se despliega en esa relación. Me interesaba apoyarlos con gamuzas para que al tocar la pared de un modo cuidadoso y amoroso se generara una suerte de vibración casi como un aura del objeto. El título surge del cruce de mi admiración por el trabajo de Donald Judd y de la referencia al film Color me Kubrick de Brian Cook.

LB – Hay piezas que estriban en relaciones de proximidad y activan el espacio como Clásica y Diez colores.

DJ – Un ánfora de bronce, una anilla de escalada y un mosquetón de acero estructuran materialmente la pieza. El objeto tiene forma clásica y remite al  mundo de los recuerdos. Está suspendido del cielorraso de la sala por medio de una anilla de escalada y sujeto con un mosquetón de acero. Activa el aire alrededor. Me interesaba utilizar materiales ultrarresistentes que soportan a las personas que escalan. Para mi escalar tiene toda una connotación espiritual, subir, ascender y se entrecruza semánticamente con la idea de superar un recuerdo para poder continuar adelante.

La pieza llamada Diez colores ocupa el espacio central de la sala. Es una cortina de bandas verticales hecha en poliamida en degrade cromático. Produce una activación diagonal en el espacio al emplazar una dirección de colores moviendo y cortando el aire. Las bandas no están superpuestas sino levemente giradas lo que produce un efecto óptico al caminar y recorrer el espacio.

LB – ¿Cómo pensaste el emplazamiento de las obras en sala?

DJ – La propuesta está pensada para que las cosas estén apoyadas sobre el lugar casi ocupando todos los puntos de la sala. Suspendidas desde el cielorraso, apoyadas sobre el piso, tocando la pared o directamente sobre ellas.

LB –  ¿Con Perdiendo mi religión volvés a tocar el tema de la espiritualidad?

DJ – El trabajo no habla específicamente o sólo de religión. Mas bien desde lo formal funciona a la manera de un gran rompecabezas de un tamaño parecido al de un planisferio apaisado hecho con cruces de madera que al estar encastradas arman la superficie. Nuevamente me interesaba tomar el módulo y construir la totalidad. La composición es aleatoria y el color varía porque las piezas fueron adquiridas por separado. Al tomar distancia de la pieza se ven una especie de vistas aéreas o cartográficas. El título surge a partir del tema de R.E.M Losing my religión que hace referencia a una expresión de los americanos del sur cuando quieren decir que están desquiciándose o están obsesionados con algo. Cuando empezás a perder tus creencias se te mueve todo el piso y uno tiene que empezar a ubicarse de otro modo. Se genera así un estado de inestabilidad interesante.

LB – Plano celeste – Grand Manan, Plano rosa – Marsaxlokk y Plano verde – Ireland Island North and South Basins, son tres trabajos que establecen recorridos propios y casi secretos.

DJ – Estas piezas están establecidas a partir de tres grandes planos de color, construidos con módulos de tamaño A4, pegados con cinta de papel y acompañados por fotografías de tres cartas marítimas. Los planos de color se transforman en mapas despojados de referencias y dotados de gestos de pegado que dan múltiples direcciones. No me interesaba exhibir las cartas marítimas como objetos en sí mismos, preferí reproducir sus imágenes al atravesarlas por la fotografía para brindar así una renovación del lenguaje. El contrapunto se establece cuando uno de los elementos da toda la información para desplazarse y arribar a un punto geográfico mientras que el otro elemento lo oculta todo.

LB – Eclipse es la última de las piezas en exhibición que nuevamente genera una situación ambiental interesante.

DJ – Es una alusión a una especie de constelación y se alinea con trabajos anteriores, donde trabajé con una serie pelotitas enhebradas con tanza y ordenadas sistemática y cromáticamente. En este caso la elección del color va desde el ámbar, las gamas de azul y el marrón al blanco y negro, con tres detalles mínimos de color rosa, azul y naranja. El conjunto dialoga con una lámpara de pie que reenvía al mundo de la decoración y la ambientación. En mi trabajo están muy presentes estos guiños porque permiten desestructurar y quitar la idea tan potente del aura en la obra. La cuestión de la luz ambiental resultaba funcional para neutralizar las sombras y generar una sensación de mayor ingravidez. Las líneas cuelgan de soportes circulares con rayos que construyen columnas con una serie de estratificaciones que establecen ritmos individuales y generales.

LB – ¿Cómo describirías los procesos implicados en la construcción de tu cuerpo de obra?

DJ – Con mucho tiempo. El proceso es muy largo y no solo implica la organización de los materiales y la observación de sus formas. Viene de mucho antes en relación a cosas que haya leído, la información que haya recolectado, mis propios intereses y el encuentro con los materiales. El proceso es siempre intuitivo y muy formal con respecto a los objetos escogidos.

LB – ¿Y tu relación con los objetos?

DJ – Voy coleccionando cosas que me atraen, me llaman la atención o constituyen recuerdos. Hay hasta regalos de amigos que al elegirlos reconocen en ellos intereses míos. Me gusta incluirlos en las obras y transformar aquello que el otro vio referido a mí. Al mostrarlos se amplía el gesto de entrega y todo logra finalmente circular. Se produce una re-significación. Generalmente pasa un tiempo hasta que logro usarlos pero pareciera que en un momento se unen y aparece el sentido colectivo acompañado de otras cosas.

Los objetos son importantes pero es también muy importante el espacio entre ellos. Se generan espacios de irradiación que activan puntos de funcionamiento, neutralidad y silencio necesarios para poder percibir y comprender. Espacios de observación que funcionan como ecos.

What comes across immediately in the work of Daniel Joglar is his sense of economy. His habit of using whatever is available, together with his deep and long-sustained impulse to hoard odd and disparate found objects without premeditated intention, could have led his installations to excess. But his inherent gift for poetic harmony guides his decisions judiciously throughout each work’s development.

Joglar’s regional culture and academic pursuits in chemistry, architecture, theology and philosophy are profoundly imbedded in his work. His decision to become an artist, triggered by an ongoing search for meaning, earned him a place in the Studio Program for the Visual Arts in Buenos Aires, an artists’ residency created by Guillermo Kuitca. The two years spent working in this context reinforced the penchant for experimentation he had acquired during his chemistry studies. While some of his colleagues lost themselves in this open-ended atmosphere, Joglar put to good use his chemistry experience, especially in the careful consideration of weight and measures.

His first table installations of simple stationary items were shown in a group exhibition at the Centro Cultural Borges in Buenos Aires. This event was followed by ‘Geografía’ in 2001, at the Dabbah Torrejón gallery, a show that held its own in terms of style and commitment, though unconsciously rooted in the River Plate constructive art tradition. Reams of pastel-coloured office paper in slightly undulating piles represented the different layers of land as it is conventionally drawn in diagrams. Pieces of tree trunk were sliced to show the age of the tree, while a wall installation of pick-up sticks closely followed the way they had fallen when dropped on the floor.

Ants, spiders and bees’, an exhibition of table installations at the Centro Cultural Borges in 2004, was inspired in Sir Francis Bacon’s theories on how the different methods in which scientists work resemble that of ants, who collect, spiders, who knit their webs with their own substance, and bees who gather material and transform it. In ‘Distant Sounds’, Joglar’s 2005 show at Dabbah Torrejón, he showed clean-cut minimal objects sparsely laid out on small classic French-style tables. Together, the cryptic arrangements evoked religious enigmas in the manner of cabbalistic riddles.

In 2006 Joglar liberated his work from a given surface by creating mobiles made up of light rods and circles, which swing in the air at the slightest breeze. In the same year, he mounted his first exhibitions abroad: at the Pontevedra Biennial in Spain and at the Blanton Museum of Art in Austin, Texas. For Pontevedra – a traditional Catholic fishing town – Joglar hung a large fishing net woven with green luminescent rosaries, showing once more his grasp of the essential and the immediate. His latest work includes periodic tables, an overt acknowledgement of his chemistry background and of his need to classify and systematize the objects that he so adroitly displays.

Vitamin 3-D / New Perspectives in Sculpture and Installations, Phaidon Press, 2009, page 162.

…Y si bien en Daniel Joglar el proceso esta presente, aquí el gesto artístico se ubica en torno a la búsqueda de materiales de su contorno cotidiano, su desplazamiento hacia un contexto artístico, y la gramática que resulta de su sintaxis en el espacio o sobre un plano subyacente. Es que en Joglar, el arte se abraza a la poesía; aquella puesta en acto donde a partir de una conjunción de elementos se produce un momento mágico.

Podríamos referir al rol de la inspiración en este devenir, aquel estado que , siguiendo a la canadiense Agnes Martin (1912-2004), podríamos considerar existente en todo momento: “Aquello que nos toma por sorpresa- aquellos momentos de felicidad/ eso es la inspiración.[…] Está allí en todo momento, para todo aquel cuya mente no esta nublada por pensamientos[…] Por supuesto sabemos que un estado mental no perturbado/ no puede durar entonces decimos que la inspiración viene y se va/ pero realmente esta presente todo el tiempo esperando que seamos/calmos nuevamente” *.

Es esta claridad, esta transparencia, la que se hace presente en el arte de Joglar. Como si el artista descubriese un poder residente en el ser de cada mínimo objeto, una relación latente, que entonces despliega y pone en diálogo con el ser de los otros materiales. Lo suyo es poesía en tanto construcción de un mundo visual que emerge a partir de los más sutiles desplazamientos, de un plano de madera o de metal sobre un plano de cuero o papel. Se trata de un enaltecer la conciencia y los sentidos, de un llamar la atención sobre cualidades antes escondidas, para permitir la aparición de ese dios o de ese monstruo tan grandioso e inabarcable que es el arte.

* Agnes Martin, “The Untroubled Mind” (basado en notas para una conferencia en Cornell University en enero de 1972), Flash Art 41, junio de 1973, pp.6-8; republicado en Agnes Martin ( Philadelphia:Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, 1973),pp17-24

Quince cartuchos de tinta negra o azul o veinte o mil.
Quietos.
No tienen pasado.
No fueron hallados en el cordón de una vereda en la
noche de su cumpleaños.
No hay casualidad. No hay fetichismo. No hay melancolía
Una tabla que es una mesa que es una aldea.
Contornos sin erosión sin tiempo.
Un terreno acotado en donde esta prohibido entrar a cazar,
en donde la sensibilidad desplaza a la especulación cínica.
Los objetos usurpan ese espacio público conformado por las
tablas y los caballetes, e instauran una monarquía tipográfica:
Usted debería acercarse
y escuchar las pequeñas conversaciones entre broches y papeles
o alejarse
y descifrar el relieve nítido de este pentagrama horizontal.
Y lo inevitable;
la opción vedada de mover un objeto
y desmantelar la geografía impuesta por un dios intuitivo y anónimo.